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HACIA UNA POETICA TEATRAL POSTMODERNA

“El verdadero teatro me ha resultado siempre el ejercicio de un acto peligroso y terrible, en donde se eliminan tanto la idea del teatro y del espectáculo como las de toda ciencia, toda religión y todo arte.”
ANTONIN ARTAUD.

Bajo esa óptica artoniana quiero partir esta reflexión acerca del teatro de este milenio, los teatreros nos hallamos en medio de la encrucijada de seguir repitiendo los mismos lenguajes y discursos o de retarnos como verdaderos artistas a resignificar propuestas e indagar hacia nuevos caminos: peligrosos y terribles.

El teatro, como lo comenta Alexander Tairov, es el único arte en el cual se mezclan el creador, el material, el instrumento y la obra de arte misma; se reúne orgánicamente en el actor el objeto mismo de su arte, y no es posible disociarlo. Esto quiere decir que el actor es todo para su arte, todo está en él y todo pasa por él. Esta condición de material permanente de su propio arte, justifica el estado cambiante y mutable no sólo del discurso escénico, sino de sus manifestaciones espaciales, vocales y corporales que en esencia circundan su naturaleza.

En ese sentido Rossi Landi, en su obra sobre acción social y procedimiento dialéctico en el teatro, propone que en el arte teatral, la obra es una totalidad, el espectáculo es una unidad compleja, además de un momento de confrontación entre el público y la escena.

El escenario postmoderno en el que nos encontramos temporalmente hablando nos envuelve para conducir el arte teatral de nuestro tiempo, hacia el deseo de proyectar y producir aquello que no puede lograrse o dominarse mediante la representación o el pensamiento conceptual, ese deseo que Jean –Francois Lyotard ha identificado como la elevación a lo sublime. El teatro es una forma híbrida interesante en cuanto que se sitúa en algún punto entre la postmodernidad sin historia y la postmodernidad de nacimiento, esto se debe a que el mismo es más resistente a la innovación formal-radical que otras actividades culturales, dada su estrecha dependencia de condiciones comerciales y estructuras profesionales; le debemos a Beltolt Brecht por ejemplo el despertar de la modernidad teatral y al teatro del absurdo de la segunda mitad del siglo XX avances inesperados como la importancia ineludible del espectador, la permanencia superior de la corporalidad sobre la del texto y una reflexión más sincera y realista sobre el mundo circundante.

En ese sentido algunos teóricos teatrales como Joel C. Weinsheimer nos dice que “ la actuación no es algo secundario, accidental o superfluo que pueda separarse de la propia obra. La obra sólo existe cuando es representada. La actuación lleva la obra a la existencia, y la representación de la obra es la obra misma ....Por tanto, la obra no puede ser diferenciada de su representación puesto que sólo existe en ella en su personificación. Deviene en la representación y en la contingencia y particularidad del momento de su aparición...”; bajo esta mirada el teatro postmoderno se fecha a menudo con el apogeo del arte del performance en la década de 1960, con sus happenings, espectáculos, teatro-danza etc...afirmando que la única memoria que podemos conservar es la percepción más o menos distraída del espectador o el sistema más o menos coherente y concentrado de sus respuestas y alusiones. La obra, una vez más representada, desaparece para siempre. Se hizo entonces conciencia alrededor por vez primera de la naturaleza irreproductible y efímera del teatro, y la futilidad de intentar reproducir tanto el texto como la actuación.

Volviendo a Artaud en su influyente obra el teatro aparece como una forma cultural sometida o desposeída, dominada como estaba, por el lenguaje escrito. Artaud afirma que el teatro debería abandonar su lealtad a la autoridad del texto y aprender a hablar su propio lenguaje intrínsicamente teatral de luz, color, movimiento, gesto y espacio.

Las reflexiones anteriores nos llevan a una poética teatral que la postmodernidad circunda, sin apelar a snobismos nos encontramos en estos principios del siglo XXI ante un teatro de imágenes, en el que el texto no es más que mero pretexto; al decir de Marranca : “Al igual que la pintura moderna, el teatro de imágenes es infinito...abstracto y presentacional....la oda a la imagen(pintura teatral) es lo que caracteriza tanto al Teatro de Imágenes como a la pintura moderna...” Desde ese punto de vista la obra teatral no es más que el conjunto de elementos que intervienen en el proceso, el depósito de grasa, su lenta difusión y la respuesta del espectador.

TEATRALIDAD POSTMODERNA

El premio nóbel de literatura chino Gao Xingjian, en su escrito sobre Aproximaciones sobre Teatralidad afirma: “Para mi, lo fundamental es que exista comunicación entre los actores y el público, en eso consiste la teatralidad”.
La teorización en torno a la teatralidad encuentra nuevo empuje en los
escritos de Alfonso de Toro quien, en un reciente ensayo publicado en
Gestos, intenta dar cuenta de un cambio de paradigma en los estudios del
fenómeno teatral a la luz del postestructuralismo y el postcolonialismo.
Hasta hace unos diez años, los estudios teatrales efectuados por
estudiosos franceses y latinoamericanos como el mismo de Toro, giraban
fundamentalmente en torno a la semiótica estructuralista. El surgimiento
de nuevas situaciones socio-culturales y políticas, sin embargo, obligan a
reconsiderar lo que se entiende por "teatro", proceso en el que a nivel de
práctica estaban muy adelantados los teatristas experimentales a partir de
los 60s.

De Toro considera que el término "teatralidad" permite acercarse
no sólo a las nuevas prácticas escénicas, sino a "cualquier representación
estético-artístico-lúdica que se realiza con el cuerpo (voz, gesto,
movimiento) y a través de una vasta serie de elementos jerárquicamente
iguales que ponen en relieve su carácter ritual-artístico" .

La delimitación que el concepto de 'teatralidad' implica no debe
conducirnos a la idea de que cualquier tipo de escenificación, por ejemplo
las acciones cotidianas o políticas, sea una forma de 'teatralidad' ya que
el término obtendría así una intención y extensión tan amplia que
finalmente podríamos desistir de él. Por esto, 'teatralidad' puede ser
definida tan sólo en relación con la categoría 'teatro' y con aquellas
emparentadas con la misma. 'Teatralidad' sería luego una estrategia de
producción metonímica y metafórica de situaciones teatrales o similares al
teatro.
El autor no ofrece un parámetro para saber qué tipo de situaciones
"similares al teatro" podrían considerarse dentro de los estudios de la
teatralidad. Sin embargo, sus referencias, son fundamentalmente del mundo escénico moderno y posmoderno.

Estos apuntes de De Toro están muy relacionados con la reflexión alrededor de la búsqueda de una poética teatral postmoderna, la misma nos lleva a la introducción cuando mencionábamos a Tairov, Landi y Artaud, cada uno a su manera y desde su escena temporal contribuyó a la postmodernidad teatral; caracterizada por la visión del teatro como espectáculo-total, en el que el texto dramático participa como dador de mensajes escénicos, más no es lo primordial(el texto como pretexto en el discurso teatral: el texto dramático de la obra teatral es precedido por un texto simbólico-imaginativo, producto de la dramaturgia del actor); la conciencia de la permanencia de la actuación sin la cual no habría representación(dramaturgia del actor o utilización de los recursos del actor); la creación de un lenguaje teatral en el que prime la imagen como discurso simbólico(semiótica teatral, primacía de las imágenes); y la comunicación imprescindible entre el arte teatral y el espectador(discurso contemplador-teatral).

EL DIALOGO OBRA TEATRAL-ESPECTADOR

La obra teatral en la postmodernidad es ofrecida al público de teatro, el espectador o contemplador se convierte en un agente importante dentro del discurso teatral; el desde su asiento, butaca o cualquier tipo de espacio(convencional o no convencional) indaga y contrasta con su mirada el fruto de un universo de símbolos e imágenes; sin su apreciación la obra dramática sería un espejismo escénico, atado a los parámetros de la dramaturgia del actor y las ordenes del director teatral.

El diálogo obra teatral-espectador persigue compenetración requiere una dosis de recogimiento y de entrega. El arte no puede ser “música de fondo” ni juguetón pasatiempo. Se trata de que un ser humano se vuelca en su propia obra para hablar por medio de ella a lo más hondo y esencial de nosotros. Por eso debemos activar nuestros sentidos y nuestro sentimiento para sintonizarnos bien con la obra, lejos de permanecer ante ella en estado de pasividad o de distracción.

Es sólo con la anuencia del espectador que se configura en el teatro postmoderno la obra dramática, ya que la versatilidad de los recursos escénicos, se convierte en un valor que debe ser sopesado por cambios musicales, actorales, narrativos, danzísticos y de guión que tendrán un final recibimiento en los seres ávidos de contemplar el teatro.

EL TEATRO COMO ESPECTACULO TEATRAL

Se trata de concebir la obra teatral como un todo o unidad artística que permite la introducción de otras artes como la música, la escultura, la danza, artes plásticas: los performances y happenigs hacen parte de la comunión entre teatro y otras artes. El teatro es el espectáculo que organiza diferentes lenguajes sonoros y visuales, uno de los cuales es el lenguaje verbal(texto teatral), combinado con música, elementos coreográficos y la intervención de partituras corporales(interpretación corporal-gestual del actor del discurso escénico).

Con respecto al teatro-total Marco de Marini se refiere al Texto Espectacular, entendido aquí texto como discurso o lenguaje; como un conjunto no ordenado aunque coherente y completo(con esto se refiere a total) de elementos textuales de varias dimensiones, que remiten a códigos heterogeneos entre sí, a través de los cuales se realizan estrategias comunicativas, este texto o discurso es un macrotexto que contiene textos espectaculares parciales, en ese sentido el texto espectacular o discurso del espectáculo está conformado por el texto del vestuario, el texto de la música, el texto gestual-escénico del actor. Es lo que nos indica Barthes cuando habla acerca de que todo texto es un intertexto, porque otros textos están presentes en el, en estratos variables o bajo formas más o menos reconocibles.

EL TEATRO COMO ARTE DIVERSO
Para Sergio Gonzalez director teatral de ACTO LATINO, la postmodernidad teatral radica en la vuelta al cuerpo del actor y a cierta visión oriental que orientó a un acercamiento a la danza que se expresa en los últimos años en el desarrollo de la danza-teatro y en general a un intercambio entre los dos territorios. Siguiendo los rastros del antiguo happening, surgió el performance que también se apropia de elementos de otras artes y de conceptos que rompen con la tradicional dramaturgia. Lo mismo ocurre con la multimedia, como experiencia de encuentro desde las distintas formas del arte y a donde el teatro ha ido a llevar y a traer y a intercambiar. En los últimos tiempos se ha creado una relación interesante con la instalación traída de la plástica. La presencia del cuerpo humano en medio de la instalación muestra posibilidades singulares. En todas estas experiencias el concepto mismo de actuación y de actor se ve cuestionado, posibilitando interesantes indagaciones sobre el arte teatral. A todo esto hay que añadir las ya más antiguas relaciones con la pantomima, el teatro de títeres y últimamente con la narración oral.
Aquí se justifica el lenguaje propio del teatro: un lenguaje múltiple compuesto por espacios(convencionales o no convencionales), sonidos, medios visuales

TEATRO SIMBOLICO-IMAGINATIVO
En el prima la imagen sobre el texto, el cuerpo sobre la palabra. Al respecto comentó el fallecido actor caleño Jorge Emilio Pérez: “La actuación abstracta está por desarrollarse, y no puede volverse otro recetario, tendrá que tocar los linderos de la danza, del expresionismo, de la plástica u otras disciplinas del movimiento. La actuación es una aventura a la que hay que trazarle rutas y expresiones distintas a las de copiar modelos que conducen a un enquistamiento y a una extraña ceguera. En ese sentido la abstracción abstracta, invita a descubrir medios que rompen los conocidos y nos abren otras incognitas expresivas y un nuevo mundo de misterios. El teatro imaginativo-simbólico o actuación abstracta, es una expresión actoral basada en la vivencia del movimiento que construye otra lógica con los ritmos, con las repeticiones, desequilibrios y, traslaciones de los gestos de la realidad.”

SEMIOTICA TEATRAL

El teatro se nos presentará estructurado en dos grandes componentes: el literario(texto) y el espectacular(representación). Así estos dos elementos conformarán el hecho teatral. Se entiende el hecho teatral entonces como una forma de comunicación, imaginaria y compleja que consta de dos fases asociadas a cada una de las partes detectadas en él: el texto y la representación.

La obra de teatro es para la semiología un conjunto de signos actualizados en simultaneidad en escena. Los signos teatrales, precisamente por que algunos de ellos no son lingüísticos, pueden actuar simultáneamente en l transmisión del lenguaje al espectador.
Para el semiótico teatral frances Patrice Pavis el término escena, al igual que tetaron, a través de la historia experimenta una constante amplificación de sentido: la decoración, luego la zona de representación como más tarde el lugar de la acción, el segmento temporal en el acto y finalmente el sentido metafórico de acontecimiento violento(“hacerle una escena a alguien). Ante esta concepción el escenario surge en la postmodernidad como un quiebre en lo que es la puesta escénica tradicional: una constante búsqueda de experimentación de nuevos lenguajes expresivos y preponderancia de la imagen sobre la palabra, con la incorporación de elementos cinematográficos, de coreografías y, más que nada, de todos los lenguajes involucrados en la puesta en escena. En en sentido la semiótica transforma al teatro en un signo. La ausencia de la palabra hablada y la lógica como prioridad nos lleva a una intención manifestada o latente de traspasar más allá de los límites que impone un teatro excesivamente realista.

DRAMATURGIA DEL ACTOR
Debemos insistir en que el teatro es el discurso del espectáculo en el momento mismo en que se relaciona con el público, y los creadores de ese discurso son fundamentalmente los actores. Sólo un proceso de producción que organice la participación creadora de los actores en todas las etapas y niveles del discurso del espectáculo, nos conduce a un texto que elabore su lenguaje y sus personajes con las realidades que hoy y aquí vivimos, mediante esa asimilación de todas las influencias que sólo da la madurez de una expresión artística. Aquí el papel de la dirección no es otro que el de crear según el director teatral y dramaturgo Enrique Buenaventura : “ las condiciones propicias a esa creación, condiciones objetivas, es decir, metodológicas y subjetivas, es decir estimulantes e incitadoras y el de estar atento a la totalidad, a la organicidad de la estructura, la cual escapa al actor por razón de su inmersión en la continuidad; entendida ésta como la secuencia de escenas o situaciones que constituyen el discurso escénico.
COMIENZA EL GERMEN
En nuestra ciudad el año pasado entre los meses de abril y septiembre, la Fundación A CIELO ABIERTO, desarrolló un proyecto teatral en el que un colectivo de actores colombianos y franceses indagaron la escena, conformando un discurso teatral que podríamos considerar postmoderno por su propuesta sin atisbos: “En frente de la otra ventana” que por su contemporaneidad y concepto basado en un trabajo de grupo o de creación colectiva se convirtió en un espacio espontáneo y fresco en el que su directora Isabelle Randrianatoavina afirmó en su presentación: “Lo que van a ver no es realmente una obra, es el resultado provisional de una búsqueda que sigue su propio movimiento. Llegamos en el momento de compartir con otros, o sea con ustedes. Aceptamos el riesgo de vuestros ojos que nos miran y el de vuestras orejas que nos escuchan.” Algunos miembros de ese colectivo teatral entre los que se encuentran cartageneros y caleños han desencadenado sus propios procesos escénicos a partir de esta experiencia como Rosemberg Alape en el Grupo BUTACA TEATRO, Belmir Caraballo en LUNA ALEGRE DE KAREX y Tania Maza en el Grupo de Teatro Estudio de la Universidad de San Buenaventura.
Hoy más que en otro tiempo el teatro está llamado a producir un universo que se abra para espantar las dudas y descubrir caminos, en un espacio de acciones humanas en el que nos encontramos para ser uno con todos. Estamos tocando ya los terrenos de una poética teatral postmoderna en la que como afirma Alonso de Toro: “Lo nuevo radica en la toma de conciencia del teatrista, como obrero de espectáculos, como albañil de signos, como visualizador de gestos y no como productores de textos literarios para ser representados. Lo nuevo está en la gestualidad, lo nuevo se encuentra en la revolución y subversión del lenguaje de la escena, ese es el papel del actor de este siglo.”
TANIA MAZA.
Directora Teatral.

BIBLIOGRAFIA
-Cultura Postmoderna. Introducción a las Teorías de la Contemporaneidad.
El Performance Postmoderno. Steven Connor. Trad. Amaya Bozal.Ed. Akal.1996.
-Antonin Artaud. El teatro y la ciencia.
-Actor, creación colectiva y dramaturgia nacional. Enrique Buenaventura. B.C.B.1991.
-El Estado de la Investigación en el análisis del espectáculo.Patrice Pavis.Conferencia Pequeño Teatro de Medellín. 1997
-Funcionalidad y Aplicaciones de la Semiótica Teatral. Corporación Teatral de Chile.Erika Cortés Bazaes.Octubre 1996.
-EL HECHO TEATRAL.Charla con Patrice Pavis por Ernesto Schoo.Opera de Francfort 26 de marzo 2000.
-El Gesto que Respira. Cesar Badillo. Taller Permanente de Investigación Teatral.La Candelaria. Gestus.1997.
-Aproximaciones sobre Teatralidad. Gao Xingjian. ADE TEATRO. 1999.